Français à suivre

Michael Blum is a writer and artist based in Vienna and Montreal. After studying history (University of Paris I Panthéon-Sorbonne) and photography (Ecole Nationale de la Photographie, Arles, France), he developed a body of work – videos, installations, books – that aims at critically re-reading the production of culture and history.

Recent projects include A Tribute to Safiye Behar, a museum dedicated to the secret lover of Mustafa Kemal Atatürk (9th Istanbul Biennial, 2005), Lippmann, Rosenthal & Co., a documentary and speculative exploration of a murky side of Dutch recent history (De Appel, Amsterdam, 2006), Cape Town – Stockholm (On Thembo Mjobo), a book and a radio play investigating the complex relationship between Sweden and South Africa (Mobile Art Production, Stockholm, 2007), and Exodus 2048, which stages a possible future in the Middle East (Van Abbemuseum, Eindhoven, 2008, New Museum, New York, 2009). In 2010, he produced Oriental Dream, a silent slapstick film, in collaboration with Damir Niksic (Blind Dates, Pratt Manhattan Gallery, New York).

Recent Publications: Mein Land (Unrast Verlag, Münster, 2008 – in German), With Different Clothes, It’s A Different Lady (Diaspora Museum, Tel Aviv, 2008).

He is currently a Guest Professor at the Ecole des arts visuels et mediatiques, UQAM, Montreal.

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Michael Blum est un artiste et écrivain basé à Vienne et à Montréal. Après des études en histoire (Université de Paris I Panthéon-Sorbonne) et en photographie (École Nationale de la Photographie, Arles, France), il a développé une série d’œuvres (vidéos, installations, livres) orientée vers la relecture critique de la production de la culture et de l’histoire.

Ses projets récents incluent A Tribute to Safiye Behar, un musée dédié à la maîtresse de Mustafa Kemal Atatürk (9e Biennale d’Istanbul, 2005); Lippmann, Rosenthal & Co., une exploration documentaire et spéculative d’un pan sombre de l’histoire bancaire des Pays-Bas (De Appel, Amsterdam, 2006); Cape Town — Stockholm (On Thembo Mjobo), un livre et une pièce radiophonique enquêtant sur les rapports complexes entre la Suède et l’Afrique du Sud (Mobile Art Production, Stockholm, 2007); et Exodus 2048, une mise en scène d’un avenir possible au Moyen-Orient (Van Abbemuseum, Eindhoven, 2008 et New Museum, New York, 2009). En 2010, il a produit Oriental Dream, un film muet burlesque, en collaboration avec Damir Niksic (Blind Dates, Pratt Manhattan Gallery, New York).

Publications récentes : Mein Land (U Unrast Verlag, Münster, 2008 –  en Allemand) et With Different Clothes, It’s A Different Lady (Musée de la Diaspora, Tel Aviv, 2008).

Michael Blum est actuellement professeur invité à l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQÀM.

Français à suivre

Meredith Carruthers is an artist, curator and writer living in Montreal. She has participated in exhibitions in Glasgow, Münster, New York, Montreal and Vancouver.   Her upcoming projects include “Parade” a choreographed collections display at the Leonard and Bina Ellen Gallery, Montreal (Summer 2010). In 2004 she completed her MFA at Concordia University, where her studies included the exchange program to The Glasgow School of Art.  With Leisure Projects, Carruthers has participated in residencies  in Banff, Dawson City, Haliburton and Vienna.

Meredith Carruthers is joined by Susannah Wesley for their Leisure Projects.

Leisure Projects:
Leisure Projects (Meredith Carruthers and Susannah Wesley) is an independent artist-curator initiative that explores the relationship of otherworldliness, fantasy and desire on cultural identity and perceptions of the world. Leisure Projects uses the strategies of socially-historic research and the mounting of contemporary visual art exhibitions to create a productive intersection between imaginary narratives and real life events.

Leisure Letters Project Statement:
Leisure Letters is a project within the Leisure Projects website that represents an ongoing conversation based on current research. This research more often than not eventually feeds into new projects, or at times becomes a special project in and of itself. Occasionally we also invite like-minded artists, curators or art historians to perform the role of guest editor on Leisure Letters.

Within our practice, our projects are often inspired by images that enchant or disquiet us, and capture our imagination. These images become tools for us to imagine worlds that overlap, echo or stray from their original contexts. We elaborate on these images, building new experiences, concepts, exhibitions, texts and performances. Leisure Letters, as such, acts as a collaborative sketch-book where we collect images and texts. This process of accumulation, arrangement and rearrangement helps us to build the imaginary Leisure world that our projects inhabit.

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Meredith Carruthers est une artiste, commissaire et écrivaine basée à Montréal. Elle a participé à des expositions à Glasgow, Münster, New York, Montréal et Vancouver. Ses projets à venir incluent Parade, une exposition chorégraphiée de collections à la Galerie Leonard et Bina Ellen à Montréal (été 2010). En 2004, elle a complété une maîtrise en beaux-arts à l’Université Concordia qui incluait un programme d’échange avec la Glasgow School of Art. Avec Leisure Projects, Carruthers a participé à des résidences à Banff, Dawson, Haliburton et Vienne.

Meredith Carruthers est accompagnée de Susannah Wesley dans le cadre de Leisure Projects.

Leisure Projects :
Leisure Projects (Meredith Carruthers et Susannah Wesley) est une initiative artiste-commissaire indépendante qui explore la relation de l’angélisme, du fantasme et du désir sur l’identité culturelle et les perceptions du monde. Leisure Projects emploie les stratégies de recherche socio-historiques et le montage d’expositions d’arts visuels contemporaines pour créer un croisement productif entre les récits imaginaires et les événements de vie réelle.

Leisure Letters Démarche artistique :
Leisure Letters est un projet au sein du site Internet Leisure Projects qui représente une conversation continue basée sur la recherche actuelle. Cette recherche, la plupart du temps, se nourrit de nouveaux projets ou, parfois, devient un projet spécial en soi. Nous invitons également à l’occasion des artistes, des commissaires et des historiens de l’art qui partagent une même vision à jouer le rôle de rédacteur en chef invité aux Leisure Letters.

Dans notre pratique, nos projets sont souvent inspirés d’images qui nous enchantent ou nous inquiètent, et qui saisissent notre imagination. Ces images deviennent pour nous des outils pour imaginer des mondes qui se chevauchent, qui rappellent ou qui s’éloignent de leurs contextes originaux. Nous élaborons sur ces images et construisons de nouvelles expériences, notions, expositions, performances et rédactions. Leisure Letters agit à titre d’album collaboratif où nous recueillons des images et des textes. Ce processus d’accumulation, d’organisation et de réorganisation nous aide à construire le monde imaginaire qui habite nous projets.

Français à suivre

Michelle Gay received a B.A. in “Art and Art History” from the University of Toronto and received her M.F.A. from NSCADU (Halifax, Nova Scotia).

Her work often experiments with the ubiquitous desktop PC, as a site of intimate virtual or digital experiences – teasing out resonant connections between machines and bodies and between digital and actual spaces. She often collaborates with Colin Gay (brother and particle physicist at UBC) on these “artware” projects. Interested in the possibilities of touch and poetics within new media platforms, they develop artware designed to play with technologies in non-useful ways. Her work also includes drawing.

Gallery association: Michelle is represented by Birch | Libralato gallery in Toronto.

Artist Statement:
It is with continued interest in technologies and their ever shifting influences on our bodies and our psyches that I have been creating digital artworks for the past 14 years. Expansive concepts such as gender and its relation to technologies, the blending of synthetic and real experiences, experiential vs. information based relationship with computers and the possibilities of deriving meaning from non-linear narratives are grist in the mill of my studio practice. Materially, although I do work with and incorporate other media (drawing, paper, photography, source code as storytelling), I experiment with the ubiquitous desktop PC, as a site of intimate virtual or digital experiences – trying to locate those resonant connections between machines and bodies and between digital and actual spaces.

Foraging for resonant ‘stories’ or texts has been part of my production process for a number of works. Culled – foraged – from various documents and sources – from political speeches, to historical documents, to popular song lyrics, computer science textbooks, to spam, to online game source code and C++ manuals, to my fictional programs, this has been part of my research and production activity for years.

I have been exhibiting these text-based works as large-scale software-driven projections – offering a certain presence of language in space. Embedded into rooms, nestled on building walls or ‘main street’ window spaces – making the architectural space a vessel for (dynamically projected) words. In the instance of a work entitled stretchpoem (promises), 2008/9 – a viewer uses the multi-finger pressure-sensitive input device mentioned above to activate lines of text through a combination of hand movements and subtle body pressure. In this version of the work, the ‘poem’ in stretchpoem is culled from politicians’ promises made in public speeches which I researched and gathered during the year leading to the last American election. The language of the promises (very different than Canadian language, which I also studied) is highly rhetorical – I promise you a better day will come – for instance. The promises ‘virtually’ pulled forward into the exhibition space – the words and letters growing larger with touch/pressure so as to bathe over the viewer. When you stop touching the controller, the texts slingshot back into their original starting point, the promises metaphorically slipping away though your fingers. An optical illusion – it is as if you are in the space of language – physically in the space of the rhetoric.

This kind of interactive physicality – involving scale, dimension, movement, opacity is where I attempt to continue my studio investigations in new projects.

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Michelle Gay détient un baccalauréat en Art et Histoire de l’Art de l’Université de Toronto et une maîtrise de NSCADU (Halifax, Nouvelle-Écosse).

Son travail expérimente souvent avec l’ordinateur de bureau omniprésent en tant que lieu d’expériences virtuelles intimes, discernant de fortes connexions entre la machine et le corps, ainsi qu’entre les espaces virtuels et réels. Elle collabore régulièrement avec Colin Gay (frère et physicien des particules à UBC) sur ces projets « d’œuvres d’art ». Intéressés par les possibilités de contact et de poésies au sein des plates-formes nouveaux médias, ils développent ensemble des objets d’arts conçus pour jouer avec les technologies de façons non-utiles. Ses œuvres incluent également le dessin.

Association : Michelle est représentée par la Galerie Birch | Libralato à Toronto.

Démarche artistique :
C’est avec un intérêt continu dans les technologies et leurs influences en constante évolution sur nos corps et nos psychés que j’ai créé des œuvres numériques au cours des 14 dernières années. De vastes concepts tels que le genre et sa relation avec les technologies, le mélange d’expériences synthétiques et réelles, l’expérientiel VS les relations à base d’information sur ordinateurs, et les possibilités d’interprétations à partir de récits non-linéaires nourrissent ma pratique en atelier. Matériellement, bien que je travaille avec les nouveaux médias et les incorporent (dessin, papier, photographie, code source sous forme de conte), j’expérimente avec l’ordinateur de bureau omniprésent en tant que lieu d’expériences intimes virtuelles ou numériques en tentant de localiser les connexions résonnantes entre la machine et le corps, ainsi qu’entre les espaces virtuels et réels. Chercher des « histoires » ou des textes résonnants a fait partie de mon processus de production pour un certain nombre d’œuvres. Chercher et trier divers documents et sources allant des discours politiques aux documents historiques en passant par les paroles de chansons populaires, les manuels d’informatique, le pourriel, le code source de jeux en ligne, les manuels C++ et mes programmes fictifs a fait partie de mon activité de recherche et de production pendant plusieurs années.

J’ai exposé ces œuvres basées sur le texte sous forme de projections à grandes échelles pilotées par logiciel, offrant ainsi une certaine présence à la langue dans l’espace. Établies dans des pièces, nichées sur les murs des édifices ou des vitrines des rues principales, elles font de l’espace architectural un fil conducteur pour des mots projetés de façon dynamique. Dans le cas de l’œuvre intitulée stretchpoem (promises) 2008/9, le spectateur utilise un dispositif tactile sensible à la pression pour activer des lignes de texte via une combinaison de mouvements de la main et de subtiles pressions du corps. Dans cette version de l’œuvre, le « poème » dans stretchpoem est tiré de promesses de politiciens faites lors de discours publics que j’ai recherchées et recueillies au cours de l’année précédant la dernière élection américaine. Le langage des promesses (très différents du langage canadien que j’ai également étudié) est très rhétorique (Je vous promets qu’un jour meilleur viendra). Les promesses sont « virtuellement » mises de l’avant dans les lieux d’exposition et les mots et les lettres qui deviennent de plus en plus larges au touché et à la pression viennent immerger le spectateur. Lorsque vous cessez de toucher le contrôleur, les textes reprennent leur position de départ et les promesses vous glissent littéralement entre les doigts. Une illusion d’optique, un peu comme si vous étiez physiquement dans l’espace du langage et de la rhétorique.

C’est à partir de ce type de physicalité interactive impliquant l’échelle, la dimension, le mouvement et l’opacité que je cherche à poursuivre mes investigations en studio dans de nouveaux projets.

Français à suivre

Presently holding the position director at the Centre de design de l’UQAM (since 2008), artist/photographer and graphic designer, Angela Grauerholz is Full professor at the École de design at the Université du Québec à Montréal, where she has taught typography and photography since 1988. Her photographic work has been exhibited and collected nationally and internationally, and she has participated in many important art évents including the Sydney Biennale (1990), documenta IX (1992), the Carnegie International (1995) and the Montréal Biennale (2004). In 2006, she was awarded Québec’s Prix Paul-Émile Borduas for her accomplishments in the arts. Known for her densely layered, painterly black and white photographs, her work has consistently challenged and redefined the process of image making. Along with her purely photographic work, she has worked on different types of photographic archives, addressing notions of memory, of space and place, as well photographic representation.

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Artiste photographe et designer graphique de formation, Angela Grauerholz est professeure titulaire à l’École de design de l’Université du Québec à Montréal, où elle enseigne la typographie et la photographie depuis 1988. Elle a également une pratique en art contemporain et elle a participé à des expositions tant aux nationales qu’à l’internationales. Depuis juin 2008, elle dirige le Centre de design de l’Université du Québec à Montréal. Récipiendaire de plusieurs prix en design graphique, elle est lauréate du Prix Paul-Émile Borduas en 2006 de la plus haute distinction que peut recevoir un artiste ou un artisan pour l’ensemble de son œuvre au Québec. Connue pour la densité et la finesse du grain de ses photographies en noir et blanc, l’artiste renouvelle et redéfinit sans cesse le processus de fabrication de l’image. En plus de son travail photographique proprement dit, elle s’intéresse aux archives photographiques depuis le début des années 1990. Elle y voit un processus où les notions de mémoire, d’espace et de lieu interviennent.

Français à venir

Luis Jacob lives in Toronto, Canada. Working as artist, curator, and writer, his diverse practice addresses issues of social interaction and the subjectivity of aesthetic experience.

Solo exhibitions include: Pictures at an Exhibition, Museum of Contemporary Canadian Art (Toronto); Without Persons, Art in General (New York City); Tableaux Vivants, Fonderie Darling Foundry (Montréal); 7 Pictures of Nothing Repeated Four Times, in Gratitude, Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach); The Thing, September Gallery (Berlin); Habitat, Hamburger Kunstverein (Hamburg); and A Dance for Those of Us Whose Hearts Have Turned to Ice, and Other Works, Morris and Helen Belkin Art Gallery, University of British Columbia (Vancouver).

Group exhibitions include: Haunted: Contemporary Photography / Video / Performance, at the Solomon R. Guggenheim Museum (New York) and Guggenheim Museum Bilbao (Spain); Animism, Kunsthalle Bern (Switzerland) and Extra City Kunsthal Antwerpen (Belgium); Dance with Camera, Contemporary Art Museum (Houston) and Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania (Philadelphia); and documenta12 (Kassel).

Artist Statement:
I always wonder why we look at pictures — why, in other words, we turn towards fictions in order to conceive of something true.

Exhibitions rehearse their audience in various ways of seeing, and of relating to what we see.  We can therefore say that an art exhibition is at once an actual exhibition, and a performance of one.  Exhibitions are models.

Artists have ceaselessly tried to invent images that allow us to perceive the difference between the dead version of things, and the living version of things.  I believe this is what all artists are trying to do when they make art, and what all viewers are trying to experience when they go to see art: to create the conditions for the artwork to come alive.

Français à suivre

Since graduating from Concordia University in 2006, Michelle Lacombe has been working with the body in a practice that is located somewhere between the concerns of performance and drawing. In her practice, she (conf)use body, language, mark marking and gesture to explore issues that relate to desire, longing, loss and absence. Although minimalist, the work is precise and unravels into a complex conceptual proposal.

Her work as an artist is paralleled by a strong commitment to artist-run culture and alternative methods of artistic dissemination.

Project Description:
The project Italics; Underlining Emphasis or Marking Words as Words, executed in a tattoo shop in Berlin, merges body and text through the use of drawing and language.

Concretely, the work consists of having a horizontal line tattooed across the inside of my bottom lip. The gesture inherently present in the making of the hand-drawn line references the textual device of underlining, a device most often used in writing to indicate emphasis. The application of this mark at the site where my body meets text through language, the mouth, is an attempt to charge my verbal communications with the emphasis granted and understood by the act of underlining in text. More simply said, the project exists as a permanent strategy to make what I say more meaningful.

Performed in collaboration with Jerome Glode (Tattoo artist at White Light).

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Depuis que qu’elle a terminé ses études à Concordia en 2006, Michelle Lacombe travaille avec le corps afin d’adresser des préoccupations situées à l’intersection de la performance et du dessin. Dans sa pratique, elle confond le corps, le langage, la trace et le geste afin d’aborder des problématiques de désir, de perte et d’absence. Bien que minimaliste, le travail est précis et se traduit vers une proposition conceptuelle complexe.

Parallèlement à sa pratique d’artiste, elle est dévouée à la culture des centres d’artiste et s’intéresse aux formes de diffusion alternatives.

Description de projet :
Le projet Italics; Underlining Emphasis or Marking Words as Words, ayant eu lieu dans un salon de tatouage à Berlin, fusionne corps et texte via l’utilisation du dessin et du langage.

Concrètement, ce projet consiste à me faire tatouer une ligne horizontale à l’intérieur de ma lèvre inférieure. Le geste fondamentalement présent dans l’exécution de cette ligne tracée à la main fait référence à la formule textuelle du soulignement, une formule plus souvent utilisée en écriture pour créer un effet d’accentuation. L’application de cette marque à l’endroit même où mon corps rencontre le texte via le langage (la bouche) a pour but de tenter de charger mes communications verbales d’une accentuation accordée et comprise par l’acte du soulignement dans le texte. Plus simplement dit, ce projet est une stratégie permanente pour rendre ce que je dis plus significatif.

Performé en collaboration avec Jerome Glode (tatoueur au White Light).

Français à suivre

Alexandre St-Onge is a human being, a 34-year old man, an audio artist, a musician/improviser (acoustic bass, bass, voice and electronics) and a sound performer. He has studied literature and philosophy and he is currently doing his PhD in art, although he likes animals, his friends, Fanny and creativity as a pragmatic approach of the ineffable. He has released seven solo CDs: Entités (Oral), Joseph Carey Merrick (Oral), Mon animal est possible (Alien8 Recordings), L’amitié ou les rumeurs insoutenables du désir (Squint Fucker Press), kasi naigo (Squint Fucker Press), Une mâchoire et deux trous (Namskéio Records), Image/négation (Alien8 Recordings). He also plays in quite a few bands, including Et Sans, K.A.N.T.N.A.G.A.N.O., Klaxon Gueule, mineminemine, Shalabi Effect and Undo. As a composer he has worked for interactive/mixed-media company kondition pluriel, as well as composing for artists such as Marie Brassard, Karine Denault, Lynda Gaudreau, Jérémie Niel, Maryse Poulin and Mariko Tanabe.

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Alexandre St-Onge est un être humain, un homme de 34 ans, un artiste audio, un musicien/improvisateur (contrebasse, basse, voix et électroniques) ainsi qu’un performeur sonore. Il a étudié la littérature et la philosophie et poursuit des études doctorales en art, mais il aime avant tout les animaux, ses amis, Fanny et la créativité en tant qu’approche pragmatique de l’insaisissable. Il a réalisé sept disques solos:Entités (Oral), Joseph Carey Merrick (Oral), Mon animal est possible (Alien 8 Recordings), L’amitié ou les rumeurs insoutenables du désir (Squint Fucker Press), kasi naigo (Squint Fucker Press), Une mâchoire et deux trous (Namskéio records), Image/négation (Alien8 recordings). Il joue aussi dans plusieurs groupes musicaux: Klaxon Gueule, Undo, Shalabi Effect, mineminemine, et sans et K.A.N.T.N.A.G.A.N.O. Comme concepteur sonore il travaille et/ou a travaillé avec la compagnie d’art médiatique kondition pluriel et les artistes Marie Brassard, Karine Denault, Lynda Gaudreau, Jérémie Niel, Maryse Poulin et Mariko Tanabe.

Description du projet:
Pour cette présentation je me concentrerai sur la pièce Crowbar cosmogonique qui s’inscrit dans le cadre de mes recherches doctorales sur la notion de voix monstre. La voix monstre constitue selon moi un moyen de se maintenir en relation avec l’insaisissable qui défie sans cesse toutes nos certitudes afin d’ouvrir la voie à tout ce qui peut advenir à travers l’expérience. Cette ouverture hospitalière au devenir de l’expérience est gage d’amélioration de notre relation au monde, aux autres et à nous-mêmes. L’oralité occupe d’ailleurs une fonction relationnelle particulière dans l’expérience humaine. La voix permet en effet aux humains d’être en relation, et ce, au-delà ou en deçà du sens conceptuel que les mots peuvent véhiculer, car, si elle permet un échange de paroles et une communication directe entre les êtres, il reste que les inflexions qu’elle peut faire subir à un langage donné pointent parfois un tout autre sens que celui du mot qui traverse l’espace buccal. Les affects incarnés dans l’intonation d’une voix, dans sa texture ou dans son grain peuvent venir contredire ou appuyer le sens d’un énoncé, mais peuvent aussi influencer grandement l’intensité communicationnelle. La voix est le langage qui se fait corps, mais est aussi l’indécidable du corps puisqu’elle provient de lui et s’en détache à la fois en se maintenant à la limite du corps comme passeur entre son extériorité et son intériorité. La voix est un passage qui incarne une limite où l’indécidable demeure et où la différance se manifeste.

Un monstre peut se manifester à travers une voix en tant qu’appel d’une différence radicale. Le monstre vient questionner notre perception habituelle du monde afin de nous confronter à l’insaisissable qui gronde sous nos jugements qui nous déterminent et limitent notre hospitalité. La monstruosité naît de ce frottement entre l’indéterminé et les déterminations qui permet de « faire » la différance afin de mieux accueillir l’étrange(r). De cette façon, l’occurrence monstrueuse nous maintient dans un processus intensif de négociation avec l’insaisissable en nous confrontant perpétuellement à nos limites et au travail de la différance. Une voix monstre doit alors se maintenir sur la limite où tout se joue, mais où rien n’est encore fixe. La voix monstre résonne en tant que processus d’approche pragmatique de l’insaisissabilité du devenir.

Français à suivre

Felicity Tayler is a Faculty of Fine Arts Fellow in the Humanities Doctoral Program, Interdisciplinary Studies in Society and Culture at Concordia University. She holds a Masters in Library and Information Studies from McGill University and a Bachelors in Fine Arts from Concordia. Her research, writing and artistic practice explores visual art as a means of information exchange and the function of artist-initiated publishing as a communications circuit. She is a contributing author to Documentary Protocols (1967-1975) (Ed. Vincent Bonin and Michèle Thériault, 2009). Recent projects include an exhibition for the National Gallery of Canada Library and Archives. She is a founding member of the Centre de recherche urbain de Montréal (www.crum.ca).

As a contribution to the colloquium conversation, a research trip to Vancouver in search of a collection of underground magazines at Simon Fraser University will be discussed.

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Felicity Tayler est membre de la Faculté des beaux-arts au Programme de Doctorat en Sciences Humaines, Études interdisciplinaires en Culture et Société de l’Université Concordia. Elle détient une maîtrise en bibliothéconomie et en sciences de l’information de l’Université McGill et un baccalauréat en beaux-arts de Concordia. Sa recherche, ses écrits et sa pratique artistique explorent les arts visuels en tant que moyen d’échange d’information et la fonction d’édition initiée par les artistes comme circuit de communication. Elle a collaboré à la rédaction de Documentary Protocols (1967-1975) (Éd. Vincent Bonin et Michèle Thériault, 2009). Ses récents projets incluent une exposition à la Bibliothèque du Musée des beaux-arts du Canada. Elle est membre fondatrice du Centre de recherche urbain de Montréal (www.crum.ca).

Afin de contribuer aux discussions du colloque, le sujet d’un voyage de recherche à Vancouver en quête d’une collection de magazines d’avant-garde à l’Université Simon Fraser sera abordé.

Français à suivre

Susannah Wesley is an artist and independent curator living in Montreal. Recent curated exhibitions include I haven’t been a figment of my own imagination at the SBC Gallery, Montreal (with Leisure Projects) and Making it work at the Leonard and Bina Ellen Gallery, Montreal. Wesley was also a member of the notorious Leeds13 art collective in the UK. She holds an MFA from the Glasgow School of Art (2002) and an MA in Art History from Concordia University (2008).

Susannah Wesley is is joined by Meredith Carruthers for their Leisure Projects.

Leisure Projects:
Leisure Projects (Meredith Carruthers and Susannah Wesley) is an independent artist-curator initiative that explores the relationship of otherworldliness, fantasy and desire on cultural identity and perceptions of the world. Leisure Projects uses the strategies of socially-historic research and the mounting of contemporary visual art exhibitions to create a productive intersection between imaginary narratives and real life events.

Leisure Letters Project Statement:
Leisure Letters is a project within the Leisure Projects website that represents an ongoing conversation based on current research. This research more often than not eventually feeds into new projects, or at times becomes a special project in and of itself. Occasionally we also invite like-minded artists, curators or art historians to perform the role of guest editor on Leisure Letters.

Within our practice, our projects are often inspired by images that enchant or disquiet us, and capture our imagination. These images become tools for us to imagine worlds that overlap, echo or stray from their original contexts. We elaborate on these images, building new experiences, concepts, exhibitions, texts and performances. Leisure Letters, as such, acts as a collaborative sketch-book where we collect images and texts. This process of accumulation, arrangement and rearrangement helps us to build the imaginary Leisure world that our projects inhabit.

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Leisure Projects :
Leisure Projects (Meredith Carruthers et Susannah Wesley) est une initiative artiste-commissaire indépendante qui explore la relation de l’angélisme, du fantasme et du désir sur l’identité culturelle et les perceptions du monde. Leisure Projects emploie les stratégies de recherche socio-historiques et le montage d’expositions d’arts visuels contemporaines pour créer un croisement productif entre les récits imaginaires et les événements de vie réelle.

Leisure Letters Démarche artistique :
Leisure Letters est un projet au sein du site Internet Leisure Projects qui représente une conversation continue basée sur la recherche actuelle. Cette recherche, la plupart du temps, se nourrit de nouveaux projets ou, parfois, devient un projet spécial en soi. Nous invitons également à l’occasion des artistes, des commissaires et des historiens de l’art qui partagent une même vision à jouer le rôle de rédacteur en chef invité aux Leisure Letters.

Dans notre pratique, nos projets sont souvent inspirés d’images qui nous enchantent ou nous inquiètent, et qui saisissent notre imagination. Ces images deviennent pour nous des outils pour imaginer des mondes qui se chevauchent, qui rappellent ou qui s’éloignent de leurs contextes originaux. Nous élaborons sur ces images et construisons de nouvelles expériences, notions, expositions, performances et rédactions. Leisure Letters agit à titre d’album collaboratif où nous recueillons des images et des textes. Ce processus d’accumulation, d’organisation et de réorganisation nous aide à construire le monde imaginaire qui habite nous projets.